Guy Hendrix Dyas mottok sin Bachelor of Arts fra Chelsea School of Art og en mastergrad fra The Royal College of Art. Guy begynte sin karriere i Tokyo og jobbet som industridesigner for SONY. I løpet av den tiden begynte Guy i Industrial Light and Magic -teamet i California, det var her han begynte sin filmkarriere som en visuell effekt Art Director på filmen Twister. Guy utviklet sine ferdigheter som konseptartist i mange år før sitt første produksjonsdesignoppdrag X2: X-Men United for Bryan Singer. Guy har også jobbet med filmer som Superman Returns, Elizabeth, The Brother's Grimm, Indian Jones & The Kingdom of the Crystal Skull, og selvfølgelig Passasjerer. Guy jobber for tiden med Nøtteknekkeren. 

Guy Hendreix Dyas produksjonsdesigner - Passasjerer [2016]

iSkrekk: Kan du fortelle våre lesere om produksjonsdesign?

Guy Hendrix Dyas: Denne nye generasjonen filmskapere har en veldig sunn balanse om hva som skal være CGI og hva som bør være praktisk, og to interessante ting å se på som produksjonsdesigner er for det første at kunstnernes forestillinger forbedres. Når du setter dem i et miljø når de virkelig er der, enten det er i et romskip eller en skummel skog, blir ytelsen deres bedre, det gjør det virkelig. Jeg vet, jeg har jobbet med begge typer filmer. For det andre er det mer realisme i belysningen uansett hva folk sier. Hvis den grønne skjermen er der, kommer den til å forurense fargene på settet, og alt dette må bli fikset. Når du bruker støtter så gammeldags som det høres ut, hvis du for eksempel trenger en bevegelse og du trenger en landsby, og du må se røykstabler eller en foss, er det på tide å få inn en grønn skjerm. Men når du har noe stasjonært som ikke beveger seg, er det på tide å bruke en støtte. Da sparer du penger til slutt også.

iH: Det er viktig å finne den balansen. Jeg synes mange filmer er overbelastet med CGI, det skjer for mye. Som du sa, forbedrer kvaliteten på filmen i stor grad balansen mellom de to.
GHD: Det gjør det, det er også noe annet som skjer som er filmskapernes disiplin. Når du får laste alt tilbake til innlegget og si, "ja, vi skal takle det senere" blir historiefortellingen litt slurvigere fordi du ikke trenger å finne ut av ting, du presser det nedover veien. Men hvis du blir tvunget til å finne ut av det, er det settet, det er alt, du har ingen unnskyldning, du må fange scenen, du må fange forestillingen. Jeg tror det var veldig mye Mortons filosofi med PASSASJER var at vi skulle prøve å fange disse følelsene til mennesker som forelsker seg i verdensrommet, noe som gjorde det prosjektet så spesielt. Det var ingen våpen, det var ingen monstre, det var så tiltalende på så mange måter det minnet meg om de klassiske sci-fi-filmene. Veldig mye for meg, det føltes som filmen Silent Running fra 70 -tallet. Husker du Silent Running?

iH: Nei, jeg har aldri sett det.

GHD: {Ler} De pleide å spille det på repriser da jeg var liten hele tiden. En fantastisk film om en mann i verdensrommet som prøver å redde den tapte skogen fra jorden. Veldig aktuell. Litt fjollete å se på om natten, men ideen om at tråden til den ideen er så smart, jeg tror det PASSASJERER faller inn i den samme familien av gjennomtenkte og smarte manus. Da jeg så på traileren, la jeg umiddelbart merke til at den var veldig pent koblet sammen, den fløt virkelig. Mange ganger vil jeg se en Sci-Fi Trailer, og det er så mye som skjer at det kan bli veldig forvirrende. Settene er fantastiske, og det vil appellere til mange mennesker. Jeg kommer ikke til å lyve for deg. Jeg er under mye press og en enorm bekymring akkurat nå. For scenografi, prøvde jeg å bryte noen regler når det gjelder hva våre forventninger er. Jeg jobbet som konseptartist på mange science fiction -filmer, og dette er første gang som produksjonsdesigner jeg har hatt sjansen til å stå for det. For meg ønsket jeg å unngå det fulle av å finne på estetikk og se etter romskipet som gikk gjennom. Vanligvis skjer det med romskip, og det er fornuftig når du tenker på det. Du kommer med et blikk, fargen på veggene, fargen på gulvet og de fargene har en tendens til å løpe gjennom romskipet fordi de ville. Men i vårt tilfelle har vi et romskip som i utgangspunktet transformerer passasjerer over store avstander. Når de kommer til destinasjonen, er det en periode med rehabilitering for å gå inn i slippskip ned til planeten. Det er fire måneder med detaljhandelshelvete; men du vil se på den, og for meg var det lekeplassen vår for å leke med fargen på filmen og la oss endre stemningen. Jeg er sikker på at dere har lagt merke til at det er en bar, en Art Deco -bar midt i romskipet. Filmnørder som meg kommer til å legge merke til noen interessante paralleller med Stanley Kubricks The Shining. Svært mye Morton og jeg snakket i begynnelsen, hvordan fanger vi forholdet mellom Chris karakter Jim og Barman, hvordan kan vi skape det båndet? Den hadde veldig lignende egenskaper som Jack Nicolsons karakter i The Shining og vi elsker hvordan filmen også bidro til å projisere ensomhet, fra Jacks synspunkt. Så det var en stor innflytelse for oss når det gjaldt baren. Jeg tok bare essensen av den oppfatningen og økte innredningen, økte settets rikdom og varme. I en verden av isolasjon og ensomhet trengte vi et fyrtårn vi trengte et sted for de to passasjerene som Jennifer og Chris ville gå til. Så det er denne varme smykkeskrinet. Det er dette veldig forførende rommet, med denne veldig karismatiske roboten som betjener dem, det eneste andre mennesket de kan oppleve selv om han er syntetisk, så vi trenger et sted som føltes som det var morsomt for folk å gå og likevel sofistikerte. For meg var det en deilig idé å sette noe fra 1920 -tallet på et romskip som var så langt i fremtiden, og vi tok det konseptet, og vi løp med det. Vi ville at de skulle ha et romantisk måltid. Hvorfor ikke lage en fransk restaurant fra 18-tallet med enorme 18-fots søyler og et klassisk vindu som vender ut mot verdensrommet. Så du sitter der med din kjære og spiser et måltid med levende lys, og universet snurrer rundt utenfor, og det er en trippy idé. Vi følte at vi aldri ville få en ny sjanse til å gjøre dette, så det var derfor vi løp med det.
iH: Hva med svømmebassenget i filmen?

GHD: Vi søkte i måneder og måneder etter et skikkelig svømmebasseng i Atlanta hvor vi skjøt, og til slutt trakk de avtrekkeren i siste øyeblikk, og vi gravde et svømmebasseng på den fine nye parkeringsplassen ved Pine Wood. [Ler} De var ikke så glade for det, men de elsket settet da vi var ferdige med det. Så over seks uker gravde vi et hull vi foret det og produserte dette svømmebassenget i olympisk størrelse med dette enorme kuppelvinduet, og det var et vakkert øyeblikk. Det er virkelig Aurora Jennifer Lawrence karakter tilfluktssted. Vi jobbet virkelig med disse dype bluesene som virkelig var et symbol på rensing. Det var et sted hvor noen kunne gå og gjemme seg bort, noen i hennes vanskeligheter.

iH: Jeg tror virkelig at du oppnådde det du hadde bestemt deg for å oppnå med scenen.

GHD: Takk

iH: Det var vakkert og å nå vite at det faktisk ble bygget og ikke CGI er ganske fantastisk.

GHD: Settet som kommer til å få folk til ikke å tro at det ble bygget bare fordi det er så bisarrt, er noe som kalles observasjon. Det er en stor plass med disse veldig dynamiske ribbeina som kommer rundt. De er så vakkert laget av tre, nøye pusset ned, de ser ut som disse futuristiske legeringene, men på film kan de se ut som om de er laget på datamaskinen. \

iH: Tusen takk, Guy!

Følg med for en anmeldelse av filmen og flere intervjuer for Sonys PASSASJERER i ukene som kommer!

Sider: 1 2