arvelig representerer regi-debut for Ari Aster, som tidligere har regissert seks kortfilmer. Helt siden arvelig hadde premiere på Sundance Film Festival i januar 2018, har kritikere sammenlignet arvelig til ikoniske filmer som Rosemary's Baby og The Shining og merket Aster en auteur.

Følgende intervju med Aster ble gjennomført via e-post den første uken i april.  arvelig åpner på teatre 8. juni.

DG: Hva var opprinnelsen til, inspirasjonen til, Arvelig, og hva er betydningen av filmens tittel?

AA: Jeg ønsket å lage en seriøs meditasjon over sorg og traumer som gradvis krøller seg inn i et mareritt - slik livet kan føles som et mareritt når katastrofen rammer. Den virkelige betydningen av tittelen skulle ikke gå opp for betrakteren før slutten av filmen, men det er nok å si det arvelig er først og fremst opptatt av lumskhet i familiebånd. I løpet av filmen blir det stadig tydeligere at denne familien ikke har noen fri vilje; deres skjebne er overført til dem, og det er en arv at de ikke har noe håp om å riste.

DG: Hva var temaene du ønsket å utforske med denne filmen?

AA: Det er mange filmer om tragedie som bringer mennesker sammen og styrker båndene. Jeg ønsket å lage en film om alle måtene som sorg kan rive folk fra hverandre og hvordan traumer helt kan forvandle en person - og ikke nødvendigvis til det bedre! Arvelig er en buffé med verste fall som fører til en stygg, håpløs slutt. Nå trenger jeg bare å undersøke hvorfor jeg ønsket å gjøre alt det.

GD: Hva var den stilistiske, visuelle strategien som du og filmfotografen din diskuterte før filmen startet, og hvordan vil du beskrive filmens utseende og tone?

AA: Vel, jeg har jobbet med DP, Pawel Pogorzelski, siden jeg møtte ham på AFI, og vi har utviklet en fantastisk stenografi. Vi snakker det samme språket, i en slik grad at vi blir ganske opprørte av hverandre på det hintet om uenighet eller misforståelse. Måten jeg jobber på - og jeg er sikker på at det finnes bedre måter å jobbe på - er at jeg alltid begynner med å lage en skuddliste, og jeg snakker ikke med noen i mannskapet før skuddlisten er fullført. Derfra blir spørsmål om utførelse, belysning, produksjonsdesign osv. Sentrale. Men først må alle avdelingsleder kunne se filmen i hodet. I dette tilfellet vil kameraet være veldig flytende, løsrevet, observasjonsinngrepende. Tonen er tøff å snakke med ... men jeg kan si at jeg ofte ville fortalt mannskapet at filmen skulle føle seg ond. Vi er sammen med familien, og vi er sammen med dem i vår uvitenhet om hva som virkelig skjer, men det bør også være følelsen av at vi ser på dem fra et mer vitende, sadistisk perspektiv.

DG: Hva er sjangerpåvirkningene du tok med til denne filmen, og hva tror du publikum vil synes mest overbevisende og skremmende om denne filmen?

AA: Det var viktig for meg at vi deltok i familiedramaet før vi deltok på skrekkelementene. Filmen trengte å stå alene som en innenlandsk tragedie før den kunne fungere som en skummel film. Så de fleste referansene jeg ga til mannskapet var ikke skrekkfilmer. Mike Leigh var en - spesielt Hemmeligheter og løgner og All or Nothing. Vi snakket også seriøst om The Ice Storm og I soverom, som har en reversering på 30-minutters markering som ikke er så forskjellig fra den i arvelig. Bergman er en av heltene mine, og Cries and Whispers var noe jeg tenkte på sammen med Autumn Sonata for måten det handlet om mor-datter-forholdet. Skrekkfilmene vi diskuterte var for det meste fra 60- og 70-tallet. Rosemary's Baby var en åpenbar prøvestein. Ikke se nå er en stor en. Nicholas Roeg, generelt, var stor for meg. Jeg elsker Jack Claytons De Innocents. Og så er det de store japanske skrekkfilmene - Ugetsu, Onibaba, Empire of passion, waidan, kuroneko...

DG: Hvordan vil du beskrive familiedynamikken som eksisterer i Graham-familien når vi først møter dem i filmen, og hvordan vil du beskrive reisen de tar gjennom filmen?

AA: Grahams er allerede isolert fra hverandre når vi møter dem. Luften trengte å være tykk med en fyldig, ukjent historie. Derfra oppstår ting som bare tjener til å fremmedgjøre dem ytterligere, og ved slutten av filmen blir hvert familiemedlem en helt fremmed - om ikke en tilsynelatende dobbel av seg selv - til den andre. For å referere til Freuds essay om det rare, hjemmet i arvelig blir resolutt umakelig.

GD: Hvordan vil du beskrive arten av den ondsinnede tilstedeværelsen som plager Graham-familien i filmen, og hvordan reagerer de på dette?

AA: Det er mange giftige påvirkninger på spill. Skyld, harme, skyld, mistillit ... og så er det også en demon.

DG: Hvordan vil du beskrive innholdet i forholdet som eksisterer, både i liv og død, mellom Charlie og bestemoren hennes, Ellen?

AA: Å forklare dette ville være å forråde noen ganske store avsløringer i filmen. Jeg lar være å unngå å ødelegge!

DG: Hva var den største utfordringen du møtte under innspillingen?

AA: Vi bygde hele interiøret i huset på en lydscene. Alt inne i huset ble designet og bygget fra bunnen av. Utover dette hadde vi den ekstra utfordringen å måtte lage en miniatyrreplika av huset (blant mange andre miniatyrer). Dette betydde at vi trengte å designe hvert element i hjemmet i god tid før skyting. Det betyr ikke bare at vi trengte å bestemme utformingen av huset og dimensjonene til rommene, noe som faktisk er det enkleste for miniatyristen å replikere; det betydde at vi trengte å ta engasjerte avgjørelser angående dressingen veldig tidlig. Så vi trengte å vite hva møblene ville være, hva tapetet ville være, hvilke planter vi hadde i hvert rom, hvilke gardiner vi skulle legge over vinduet, og så videre og så videre. Vi skjøt alt som involverte dukkehusene i den siste uken med produksjonen, og det var så stramt at vi hadde sendt miniatyrer akkurat de dagene de ble skutt.

DG: Hva brakte Utah, din filmplassering, til denne filmen som var unik fra andre filmsteder du kanskje hadde valgt, og hvordan ville du beskrevet bakteppet, innstillingen til filmen?

AA: Vel, vi dro opprinnelig til Utah fordi vi klarte å få mer ut av budsjettet vårt der borte. Den opprinnelige planen var også å lage en vinterfilm og få huset til å bli snødrevet. Når det er sagt, krever planlegging at vi skyter om sommeren, og til slutt kunne jeg ikke vært lykkeligere med landskapet som Utah ga. Jeg kan nå ikke forestille meg at filmen ser ut på noen annen måte. Jeg må også si at vi hadde det mest utrolige mannskapet på denne filmen - fra kunstavdelingen til kameraavdelingen var det ikke en eneste svak lenke. Jeg vil anbefale Utah til alle som ønsker å lage en film.

DG: Hva er din favoritt scene eller sekvens i filmen?

AA: Vel, i håp om å unngå en spoiler og med fare for å være for kryptisk: det er en langvarig montasje av Toni Collette som gråter ukontrollert (i løpet av en uke), og jeg er ganske fornøyd med hvordan det ble.

DG: Da jeg leste om Ann Dowds karakter, Joan, tenkte jeg umiddelbart på Billie Whitelaw som fru Baylock i The Omen. Hvordan vil du beskrive Joans rolle i filmen?

AA: Hennes karakter er definitivt i den tradisjonen. For den saks skyld er hun også i tradisjonen med karakterer som Castevets i Rosemary's Baby eller Hilary Masons blinde klarsynt i Ikke se nå. Hun stammer fra en pessimistisk skepsis til den altruistiske naboen som tilsynelatende har dine beste interesser. Praktisk kommer hun også fra en tradisjon i familiedramaer om velvillige utenforstående som trer inn for å gi et utløp for et ellers isolert medlem av en dysfunksjonell enhet. Judd Hirsch i Ordinary People er et eksempel.

DG: Gitt den overveldende positive reaksjonen filmen har fått så langt, noe som er rart for en film som ikke engang har blitt utgitt formelt ennå, føles det som om filmen allerede har oppnådd status som klassiker før det meste av verden har hatt en sjansen til å se det. Hva har du opplevd, når det gjelder publikumsreaksjon, under visningene du har vært til nå, og hvordan vil du beskrive reaksjonen du har fått til filmen så langt?

AA: Reaksjonene har vært veldig spennende. For å være ærlig var jeg i utgangspunktet bare veldig lettet over at folk ikke trodde det var et gigantisk stykke dritt. Men du lærer fort at det er en unik kvantifiserbar ting, enten den skumle filmen din fungerer eller ikke. Det er som å lage en komedie. Enten ler folk eller ikke. Men jeg kan si at det ikke er noen følelse av å ha et publikum som skriker til noe du har laget. Det er en flott dopamin høy.

DG: Siden dette er din første spillefilm, hvordan vil du beskrive reisen du har tatt det siste tiåret?

AA: Jeg har skrevet manus siden jeg var tolv år gammel. Jeg gikk på filmskole ved College of Santa Fe før jeg studerte Regi ved American Film Institute. Etter å ha fullført AFI laget jeg dusinvis av kortfilmer, og da jeg kom til å skrive arvelig, Jeg hadde ti andre funksjonsskript klare (to av dem var på vei til å bli laget før arvelig). Det har vært en lang vei, men jeg kunne ikke ha blitt velsignet med større ressurser eller sterkere samarbeidspartnere enn de på arvelig. Jeg regner meg veldig heldig.

DG: For noen som ikke har sett noe av det forrige arbeidet ditt, kortfilmene dine, hva vil du si er kjennetegnet ditt, din signatur, som regissør, og hva som identifiserer arvelig som en Ari Aster-film?

AA: Jeg husker en stor lærer av meg ved AFI, Peter Markham, som sa at filmskaping er (eller burde være) mishandling. Jeg er helhjertet enig i den følelsen. Arvelig og alle kortfilmene mine (og nesten alle filmene som jeg har tenkt å lage herfra) er håpefulle bidrag til den tradisjonen med mishandling.

DG: Hvorfor tror du arvelig skiller seg fra legionen til andre sjangerfilmer på markedet?

AA: Jeg føler ikke at det er mitt sted å snakke med det. Jeg vil si at hvis filmen fungerer, tror jeg det er fordi jeg gjorde det til mitt oppdrag å alltid hedre karakterene før noe annet. Også, det er den veldig sjenerøse mengden full nakenhet som jeg sørget for å inkludere.

DG: Når du ser tilbake på hele opplevelsen av å lage arvelig, er det ett minne som fremstår som mest fortellende om hele denne opplevelsen for deg, når du ser tilbake på reisen du har tatt med filmen?

AA: Jeg kan ikke tenke på ett minne spesielt. Jeg kan si at det var flere øyeblikk under produksjonen der jeg plutselig husket at jeg faktisk laget en film. Det har alltid vært min drøm. Så jeg vil prøve å huske å kjenne føttene på bakken og sette pris på det. Det var de beste øyeblikkene.